Ataraxia

"Francesca Nicoli: somos unos cuantos artistas de Italia, quienes exploramos y creamos música, poesía y teatro, y quienes decidimos dedicar nuestras vidas completamente al arte. En Ataraxia somos músicos viajeros, básicamente inspirados por viajes reales e interiores, hacia lugares que aún poseen la nobleza y la carga de los siglos, Ataraxia es la búsqueda de un balance interior.

Nuestra historia como banda parece ser parte de dos épocas bien distintas, dos dimensiones psicológicas y actitudes diferentes en cuanto al arte y la vida: antes y después de 1992. Los ochentas parecen muy lejanos, un período muy lejano. No teníamos ninguna meta que conseguir. Sí teníamos una fuerza y determinación en una Italia absolutamente sorda, donde la música underground estaba completamente coartada. Yo recuerdo que éramos muchas personas, 8, tocamos muchísimos conciertos, en condiciones muy malas, realmente increíbles. Aquel fue el momento de temor y dolor, algunos de nosotros murieron, aquí estamos con sus heridas en nuestros cuerpos. Fue hace muchos años.

Si 1988-1991 habían sido los años de muerte, 1992 fue el año del renacimiento, un ciclo de reencuentro natural. Desde 1994 (el año de lanzamiento de nuestro primer CD "SIMPHONIA SINE NOMINE") la lucha con el destino comenzó, no fuimos más personas abatidas y engañadas sino luchadoras, y entonces año tras año nos convertimos en canales de la Historia y el Tiempo, nuestros Madre y Padre, y ahora somos músicos viajeros y guerreros atemporales caminando a través de un pasaje con el fin de encontrar las claves de la existencia. Nuestras influencias fueron las heridas y los descubrimientos de nuestras vidas."

Ataraxia es tensión absoluta, una manera de producir vida y experiencia de una manera receptiva con la habilidad de la contemplación y de la iluminación. “Se denomina ataraxia (Αταραξία) a la disposición del ánimo propuesta por los epicúreos, estoicos y escépticos gracias a la cual alcanzamos el equilibrio emocional —la felicidad— mediante la disminución de la intensidad de nuestras pasiones y deseos, y a la fortaleza del alma frente a la adversidad. Es, por tanto, tranquilidad espiritual, paz interior, imperturbabilidad”. La contemplación es un estado de perfección difícil de conseguir en su plenitud así que tratamos de que nuestro entusiasmo, nuestros instintos, necesidades y egoísmos converjan en el acto de la creación…eso es música. El conocimiento del hombre, la relatividad de todas las cosas, la importancia de la creación son las bases de nuestro camino e investigación.

En nuestro mundo creativo la pasión por la cultura Greco/Latina y su mundo filosófico tiene una gran importancia. A través de la música retratamos las tradiciones y la imagineria ancestral de estas culturas que son una fuente interminable de inspiración.

Musicalmente, comenzamos con una mezcla impar de lo sagrado y lo profano, Medieval y Experimental, Barroco y Bohemio, contemporáneo y antiguo. A medida que los años pasaban nos acercábamos a una especie de genero Atmosférico Neobarroco que visualmente puede ser asociado al arte de Greenaway, un salto contemporáneo a un pasado reconstruido. La amplificación de colores y formas, secuencias de oscuridad y luz, resonancias babelicas, la herencia de la historia, trobadoricas, Edades Medias, aires Renacentistas, un clasicismo impar, gracioso, severo, azotante, voces y arreglos fríos. Nuestro primer lanzamiento fue de piedra y mármol, la inspiración del segundo disco fue el agua, para ese tiempo presentamos las “Estaciones del Hombre”, un año después de haber exhibido el melodrama “El Magnifico Guignol”, después realizamos una reinterpretación heterodoxa de la música de los siglos XVII/XVIII con distorsiones, excentricidades, también un serio acercamiento a los maestros franceses e italianos de esos tiempos, todo basado en una sentida participación técnico/emocional hacia esa forma de componer y enlazar sonidos. Realizamos una investigación de la leyenda y el mito que cruza los antiguos sitios arqueológicos del sur de Europa para descubrir el continente hundido de la Atlántida e hicimos un viaje doloroso y purificador hacia tierras lejanas para encontrar otra vez las raíces de nuestra existencia. Encontramos a una mujer y su guía mítica y espiritual, el Unicornio, retratatado en las tapicerías del museo medieval de Cluny en Paris para revelar la belleza del amor espiritual. Ahora nuestro viaje esta tocando la tierra blanca de los sueños en donde reinan las gaviotas y los fuertes vientos, los peñascos Normandos son azotados por el océano, y bosques refrescantes donde nuestros sueños son capturados por el vuelo de los pájaros sobre mares infinitamente floreados.

Nosotros somos estetas, buscamos la belleza en el arte, una belleza solar y una belleza oscura, belleza en su connotación harmónica o siniestra, la belleza inesperada, la belleza autentica y universal.

Amamos la guitarra clásica y la atmósfera que esta evoca, la adaptamos en muchas formas distintas con efectos, ecos y reverberaciones o con un sonido simple claro y natural; también amamos los efectos del teclado pero apreciamos mucho los sonidos orquestales y un piano clásico “nervioso”, consideramos a la flauta y al clarinete instrumentos fascinantes y mágicos que confieren alma a la melodía. Francesca ha empezado a no solo utilizar su voz sino también a guiarla, ella se educa cada día para enriquecer el vocabulario de los sonidos, agregando nuevos adjetivos y sustantivos, buscando posibles nuevas evoluciones a la expresión vocal.

A partir del primer año en el grupo esta presente un mimo/bailarín y un “capturador de imágenes” que se preocupa de las presentaciones teatrales en vivo y de la exhibición visual. Siempre le hemos dado una connotación multimedia a nuestros eventos creando paisajes caprichosos, escenografías adecuadas (con mascaras, trajes y objetos simbólicos) y un fondo poético a la música dado por proyecciones de películas y diapositivas. Trabajamos también con pintores quienes ilustran nuestros lanzamientos conceptuales o retratan algunas de las atmósferas de nuestras canciones. Durante nuestras presentaciones en vivo los cinco sentidos están involucrados.

Desde que éramos pequeños la música siempre ha tenido gran importancia en nuestras vidas y por ello utilizamos todas nuestras fuentes físicas, mentales y económicas para mantener la banda.

Desde el comienzo de los tiempos los seres humanos han elegido el camino iluminado, el menos superficial, el más misterioso y místico para vivir su existencia, para aumentar su conocimiento, para permitirse todos los días la vida y los sueños. Nosotros somos esa clase de músicos.

La melancolía, el arrepentimiento y la lucha son esenciales para la creación de la música. En nuestra opinión la música esta hecha para temperamentos inestables, malhumorados que comparten el dolor culminante con oleadas de creatividad. El músico es frágil y muy fuerte al mismo tiempo, una vehiculo de eléctricas armonías turbulentas.

Nosotros conservamos el sentido de la historia, nuestras líricas incorporan una humanidad abandonada y perdida, reflejamos como espejos nuestros temores internos, somos los anillos de la cadena que preserva el pasado y lo trae de regreso al presente, concebimos nuestras raíces de una manera ancestral y visceral, nuestros “paisajes internos” se vuelven música.

Las líricas son sonidos también, deben darle sustancia a la música y contribuir a darle armonía y elasticidad. Creemos que la música existe para expresar lo que no puede ser expresado en palabras, en ese sentido la música no es completamente humana. Nuestras líricas son gradaciones cromáticas, juegos de perfumes, la mayoría de ellas tienen una connotación lejana y su inspiración yace en la mitología.
Nuestras palabras flotan en el misterioso jardín de la Psique y el Deseo.

Sentimos que somos profetas, mediums de la Historia y el Tiempo que son muestra Madre y nuestro Padre y nos utilizan para mostrar algunas de sus muchas voces.

No nos interesa la música que puede ser asimilada en un corto periodo. Durante los actos en vivo somos como artesanos del sonido, no utilizamos bases o patrones pregrabados, dejamos que las emociones emerjan abundantemente. En ambientes naturales y fascinantes la magia fluye como en los primeros dramas de la humanidad.

Estamos fascinados por las diferentes culturas y lenguajes arcaicos y contemporáneos, estamos enamorados de los acentos y los sonidos, para nosotros el lenguaje francés suena como el estruendo de las olas, el latín tiene el gusto de un epitafio de mármol, el italiano es un jardín escondido por bóvedas y puentes, el ingles es un bosque de frambuesas, el alemán nos recuerda a una oscura cortina, suntuosa y aterciopelada y el portugués trae el misterio y la magia de sus catedrales neogóticas Manuelinas.

La Música es una experiencia totalmente esotérica; un poderoso canal etéreo de comunicación entre los vivos y los que ya se han ido, el pasado y el presente, la música permite viajes por el tiempo, viajes oceánicos e ilimitados.

Nos atrae profundamente el agua y su eterna feminidad, generalmente hemos retratado ejemplos trágicos de figuras mitológicas femeninas, un mundo inentendido y olvidado, este es nuestro regreso eterno al mar, una fascinación que no es posible explicar con palabras pero que se siente en nuestra música.

Cada álbum y presentación que creamos es un capitulo del mismo libro, cada capitulo empieza donde el anterior terminó.

La música atraviesa la vida y la muerte, esta hecha de una esencia en la cual los humanos flotan y nadan eternamente.

Sonoridades

Preferimos evadir las definiciones porque nuestra esencia musical esta basada en la espontaneidad y el instinto creativo, de acuerdo a nosotros tocar música es expresar y abordar sentimientos y emociones palpables, la música se convierte en un oasis de contemplación pura, una catarsis.

Después de años de maduración y entendimiento hemos creado una inusual fusión, yuxtaposición, acercamiento a las sonoridades medievales, celticas, renacentistas y neobarrocas, adornos, ambientes y atmósferas neoclásicas.

La majestuosa coralidad, los sentimientos narrados, los silencios, el misticismo, los cuentos de hadas y la legenda son gradaciones cromáticas del mismo “fresco” cuyo marco nos deja un sentimiento de inconmensurabilidad. El soliloquio de la música antigua, la búsqueda experimental, las atmósferas crepusculares, el retrato de épocas lastimeras, la delicadeza, aires vibrantes, el sonido de los epitafios de mármol, el movimiento ritual sacerdotal, todo ello es representado por una extraña amalgama de sonidos y formas, lo electrónico se junta con el abrasador eco de los instrumentos clásicos, a veces acústicos y atrayentes, otras severos y marciales.

Keats dijo: “El arte es belleza y la belleza es arte”, el instrumento es solo el objeto con el cual se hace palpable.

Líricas

La líricas siempre nacen desde nuestra esencia espiritual y sensitiva, están inspiradas por la natural confidencialidad de la reflexión, esto es, el hombre frente a los espejos de sus sentimientos y silencios.

A veces las sensaciones internas, arrepentimientos, recuerdos están mezcladas en un juego de palabras/sonidos, de imágenes sensuales, una inmersión absoluta en el jardín floreciente de la Psique y el Deseo, otras veces epitafios solemnes y helados son empapados con la gravedad de sensibilidad medieval.

Muchas lenguas antiguas y contemporáneas (latín, francés, italiano, alemán, español e ingles), están adornados para creas efectos sugestivos a través de la dilución de las palabras y sonidos.

Dead can Dance

Dead Can Dance o Los Muertos Pueden Bailar, se trata de una de las bandas más imaginativas de la pasada década. Este duo ha sido capaz de vincular diversos estilos musicales de un exquisito pasado musical a través de múltiples culturas antiguas. DCD nos ha traido a la actualidad muchos ritmos y sonidos perdidos en el tiempo. Bien merecen una visita por esos laberintos hacia el interior de nuestras conciencias y nuestros corazones....

Lejos de todo paralelo y tendencias, este dúo ha emprendido su propio camino alimentandose con músicas de diversa procedencia y lenguaje. Con el tiempo, se han transformado en un grupo de culto, aquí en Chile cuenta con incondicionales seguidores venidos del punk, el dark, la sicodelia o la música clásica, unidos todos ellos por una propuesta única y renovadora.
Catalogados en sus comienzos como góticos, etiqueta que se desvanece por su propio peso al conocerse con el tiempo otras variantes en la capacidad creativa del núcleo central de DCD, compuesto por Lisa Gerrard y Brendan Perry, ambos en voz, además de instrumentos de cuerda y viento.

Sepamos cuál es el origen del nombre de este dúo. Lisa: "Nosotros estamos buscando algo para descubrir el proceso de creatividad, de traer cosas inanimadas a las vida, de manera que éstas se expresen".
Esta continua búsqueda los ha llevado a remontarse al mundo musical de la edad media, el Renacimiento y del medio oriente, logrando con ello cautivar corazones y mentes a través de un misticismo sobrecogedor.

Lisa pasó su niñez en un barrio de mayoría griega en su nativa Australia, donde se escuchaba música del oriente y de ahí su fascinación por ella.
Por su parte Brendan, nacido en Inglaterra, emigró en los ´70s a Nueva Zelandia. Allí participó como bajista en una banda punk llamada "The Scavengers", la cual abandona al poco tiempo. Luego formaría un trío que sería la base de DCD, sin contar todavía con Lisa.

Años más tarde, el futuro dúo se conoce en Melbourne y ambos seguirían con gran interés un movimiento musical denominado "The little bands", el cual cobró gran fuerza en 1978. Este consistía en la libre improvisación que realizaban grupos que compartían sus instrumentos.
En ese mismo año, antes de formar DCD, grabarían un demo con "Ocean" y "The fatal impact", dos temas que se incluyen en su LP debut homónimo.

Lisa y Brendan, impulsados por su común interés en música, literatura y artes visuales, crearon Dead Can Dance en 1981. El resultado es un sonido vívido, descansado, como nunca ha sonado nada en este tiempo. Siempre necesitaras más tiempo para sentir cada parte de sus mundos, creados a partir de cantos litúrgicos, danzas medievales, melodías místicas, ritmos africanos, todo esta unido perfectamente por este maravilloso grupo.

"The Fatal Impact", su primer trabajo aparece en diciembre de 1981 en formato cassette, junto con una revista local, sin causar mayor impacto en la industria musical australiana. Ante esto, deciden emigrar a Londres en 1982 y luego de un año de mantener contacto con Ivo Watts-Russell, del sello 4AD, firmaron con tal sello. Este sería el respaldo suficiente y merecido para que dos años después se editara su primer álbum "Dead Can Dance", conteniendo material de los primeros cuatro años. En éste, se nota la mano de Robin Gunthrie (Cocteau Twins) en el sonido de guitarras. Pero también los flirteos con el post-punk a lo Joy Division, reflejan el espíritu de esa época. Por su parte, la faceta etérea se muestran tambien en otros temas del disco.

Unos meses más tarde aparecería el single "garden of the arcane delights" (incluido en Dead Can Dance), pieza de colección muy difícil de encontrar por estos días. Aquí, el arranque místico se desborda de regocijo en "carnival of lights" y en la bellísima "in power we entrust the love advocated", la cadencia en la voz de Brendan dan al tema una estructura pop muy peculiar que vendría a ser una característica con réplica en LPs posteriores. Brendan, quien dibujó la carátula de este EP nos explica en qué consiste su arte: "Un hombre desnudo y vendado, impedido de percibir, está en medio de un jardín (el mundo) alrededor de árboles frutales y una fuente de agua. Su mano derecha se alza -la codicia por el conocimiento- en busca de una fruta que cuelga abrazado por una serpiente. En la muralla del jardín -la muralla entre la libertad y el conocimiento- hay dos puertas de salidas: la noción dual de escoger. Es el universo del poeta inglés ´William Blake en donde la humanidad sólo puede redimirse de sí misma, librarse de su ceguera a través de una correcta interpretación de los signos y eventos que penetran los tejidos de la ley de la naturaleza".

En 1984, contribuyeron también con dos temas ("waves become wings" y "dreams made flesh") para el álbum debut "It´ll end in tears" del proyecto This Mortal Coil.

Al año siguiente, se lanza su segundo LP "Spleen And Ideal", quizá su trabajo más oscuro y épico, que alcanza el número dos del ranking independiente inglés.
Todo este disco está envuelto por el manto de la solemnidad y atmósferas dark, teniendo como soporte un grupo de músicos invitados en instrumentos de cuerdas y vientos. Entre ellos destacan Gus Ferguson (Cello) Test Dept., Martin McGarrick (cello) de Siouxsie and the Banshees y James Pinker (timbales) del desaparecido grupo Heavenly bodies.
"Spleen And Ideal" (lo real y lo ideal) en lo conceptual versa sobre aquellos aspectos malévolos de la condición humana como la envidia, intolerancia y rencor. Como contraparte, tenemos la ilusión, la verdad y lo ideal. Estos dos lados de la moneda están expuestos en cada surco de este disco; la duda y la fé, los límites y la libertad, con el fin último de buscar la perfección.

En 1986, DCD realizó una extensa gira europea y aportaron dos composiciones ("frontier" y "the protagonist") para la compilación y video "Lonely is an Eyesore".
Por aquel entonces DCD demostraba un enorme interés por la música de películas y fue una de las razones por las cuales participó en dicho video.

En julio de 1987 editan el tercer LP, "Within The Realm Of A Dying Sun", en el que se destacan las formas clásicas que anunciaban los nuevos caminos del dúo. Sobre el particular Brendan comenta: "Nos dimos cuenta de que estábamos limitando nuestros valores musicales, adoptando el rol de tocar solamente guitarras, bajo y batería. Pero por las variadas cosas que estábamos escuchando, estos instrumentos ya no eran los apropiados. Entonces aprendiendo teoría clásica, particularmente en estructuras barrocas basadas en el contrapunto y decidimos que íbamos a trabajar dentro del idioma clásico y usar por lo tanto instrumentos, con la ayuda de samplers y computadores". Es en este LP donde también se aprecia un mayor acercamiento hacia lo arabesco como lo es el caso de los temas "Dawn of the Iconoclast" y "Cantara".

En 1988, se editó "The Serpent´s Egg", un disco muy bello con hermosas canciones como "The host of Seraphim" o "Severance". El dúo empieza a explorar el Renacimiento y ritmos tribales del oriente. Brendan explica el sentido de este disco: "Si tú observas varias fotos de la Tierra tomadas desde el espacio y si lo miras desde arriba como un organismo gigante -un macro cosmos- puedes ver que la fuerza de la naturaleza de la vida, el agua, viaja en la forma de una serpentina.Tenemos una visión de esta serpentina que se ciñe alrededor del huevo: La Tierra. Nuevamente nos estábamos metiendo en un período antiguo de la música europea. La música de los Trovadores entrando de lleno en el Renacimiento. Los elementos románticos han desaparecido".

Entre el ´88 y ´89, trabajaron en la banda sonora de la película "El niño de la Luna" del realizador español Agustín Villalonga, en el cual Lisa Gerrard debutó como actriz.

Su quinto álbum "Aion" de 1990 recibe fuertes influencias de al edad media y principios del Renacimiento. Brendan nos habla del significado de "Aion": "...la palabra Aion quiere decir edad, pero también la duración del mundo en el universo. En la filosofía de Platón representa el poder benevolente que existe en la eternidad...".
DCD también compuso música para "La muerte y la primavera", otro film de Villalonga.

En octubre de 1991, 4 AD edita "A Passange in Time", una compilación de temas extraídos des sus álbumnes del ´85 al ´90, que además comprende dos nuevas canciones: "Bird" y "Spirit". Este álbum sería recien el primero en editarse en U.S.A.
Durante 1991 y 1993, DCD participó en distintos proyectos de teatro y festivales de Irlanda. También contribuyeron con dos composiciones para el álbum "Sahara Blue" de Héctor Zazou.

A esta historia discográfica se agrega, en septiembre de 1993, el LP "Into the Labyrinth", que viene a ser un compendio de sus trabajos. Como de costumbre, algunos cortes a cargo de Lisa y otros de Brendan. Sólo en dos temas ("Toward to Within" y "Emmeleia") participan ambos en voz.
El tiempo transcurrió. Brendan Perry aportó su trabajo para la película "Baraka" y ha participado en un par de festivales en Irlanda. Lisa, por su parte, tuvo un hijo y luego se casó. Estuvo mucho tiempo en Australia visitando a su familia.

Pasó un año y medio durante el cual el dúo estuvo separado.

Brendan aclara: "Nosotros siempre hemos escrito independientemente, de otra manera no creo que deberíamos trabajar juntos. Cuando efectivamente nos reunimos, es con nuestras músicas por separado y generalmente están en armonía en términos de los principios y códigos fundamentales de la música que hacemos. Entonces decidimos lo que nos gusta del trabajo de cada uno y sacamos la música que teníamos en común, y luego nos estimulamos con lo que estamos sacando y es cuando nuestra musicalidad aflora y hacemos un trabajo original. Haciendo esto, en forma compartida, da fuerza a nuestra originalidad". Para grabar este álbum el dúo se reunió durante tres meses en un pequeño pueblo rural al norte de Irlanda. Allí vive Brendan, en una iglesia gótica abandonada, donde también tiene su propio estudio. "Bueno, a veces escuchas el eco de tu propia voz y se amplifica demostrando así que estás completamente solo. Estoy haciendo música todo el tiempo, así que lleno ese espacio con el sonido y la energía", comenta Brendan.

En "Into The Labyrinth" hay un poco de nostalgia, amores frustrados, una mirada a la historia antigua, a las tradiciones.
Brendan: "es un viaje sobre lo escrito en un año, basado en el hecho de vivir lejos de la ciudad con gente del campo. Hay raíces folklóricas: el amor por lo natural, la música primitiva del mundo y el amor por los sonidos naturales: cantos de los pájaros, del bosque...."
El tema "Ubiquitous Mr. Lovegrove" trata sobre la abstracta relación de Brendan con la mujer. El corte "The wind that shakes the Berley" por su parte, escrito a finales del siglo XVIII, conmemora una batalla ganada en contra de los británicos, sobre el cual Lisa Gerrard quería hacer su propia versión: "Esta tenía por objeto hacer una canción reanimada, pero tenía una intensidad tan triste que se convirtió en una canción anti-bélica...". "The carnival is over" es reminiscente de aquellos años de cuando Brendan de niño iba al circo: lo juglaresco es parte de la nostalgia. El rompimiento de la tradición y el desarraigo en Irlanda son descritos en "Tell me about the forest"; como vuelven las personas después de varios años a casa de sus padres o aquellos que se han ido dejando atrás a sus seres queridos. Pero en esto, Brendan postula que al menos debe mantenerse en las tradiciones que se transmiten entre las personas y dejar a un lado los dogmas impuestos.

En octubre de 1994 se editó "Toward To Within", el que registra dos actuaciones de DCD junto a músicos invitados en el teatro de Myfair en Santa Mónica, California. Esta es una gran ocasión para conocer 12 temas inéditos que transitaron por la música del oriente y el folk, más otros cuatro cortes aparecidos en discos anteriores. También se realiza un viaje de estos conciertos que incluye una entrevista al dúo. Un trabajo que aparece en formato de video, donde podemos apreciar la magia que DCD impone en sus interpretaciones y sobretodo la aparición de una celestial Lisa Gerrard y un sencillo Brendan Perry.

En octubre de 1994 se editó "Toward To Within", el que registra dos actuaciones de DCD junto a músicos invitados en el teatro de Myfair en Santa Mónica, California. Esta es una gran ocasión para conocer 12 temas inéditos que transitaron por la música del oriente y el folk, más otros cuatro cortes aparecidos en discos anteriores. También se realiza un viaje de estos conciertos que incluye una entrevista al dúo. Un trabajo que aparece en formato de video, donde podemos apreciar la magia que DCD impone en sus interpretaciones y sobretodo la aparición de una celestial Lisa Gerrard y un sencillo Brendan Perry.

Luego de otro prolongado silencio es editado "Spiritchaser" en 1996, hasta ahora el último LP del dúo. Sonidos tribales que flotan desde los parlantes, confundiéndose con los complejos modelos de percusión, con voces clásicamente elaboradas y étnicas. Esto basta para decir que Brendan y Lisa son completos genios musicales. En sus grabaciones se denota ese ánimo de visitar varias y distintas culturas.

Lo asombroso es que ellos escriben sus propias materias, no es raro que lo hagan en estos días. Pero ser capaces de escribir melodías tan complicadas les da el mérito de ser herederos de un talento musical que se ha acumulado a través de miles de años. En esta ocasión DCD suena algo más liviano, sin que por esto pierda calidad.

Los Muertos Pueden Bailar nos invitan a viajar por el tiempo a través de distintas músicas y de dos personalidades: Lisa es errática, frágil e intuitiva. Nos provee sus cantos etéreos y vocalizaciones primitivas. Brendan, por su parte, es racional y seguro, entrega la calidez necesaria. En fin, tenemos la mezcla de sentimientos y la teoría, la calma y la distracción.
Dos seres que dicen que hacen discos porque todavía tienen muchos demonios por exorcisar y el hecho de hacer música es una terapia natural y a través de ese goce, quieren transmitir esa alegría y transportarlas a otras personas. "Esa es nuestra gran fuente terapéutica y la mejor manera de expresarnos", sentencia Brendan.

A mediados de 1998 Dead Can Dance se preparaba para lanzar un nuevo album, incluso se programaron varios recitales para Mayo de 1999 (incluyendo Sudamerica).
Lamentablemente a fines de Diciembre 1998,y despues de 17 años de existencia, la banda se divide en un impulsivo acto en medio de las sesiones de grabación de su ultimo album en Eire, después de un violento altercado entre Lisa Gerrard y sus musicos.
Ambos, Lisa y Brendan, continuan actualmente su carrera en solitario. Brendan Perry lanzó a comienzos del 2000 su primer album en solitario "The Eye of the Hunter" y Lisa participo últimamente en la banda sonora de la película GLADIATOR junto a Hans Zimmer.

Afortunadamente el grupo decide reencontrarse para comenzar una serie de presentaciones las que incluyen presentaciones en Latinoamérica (lamentablemente Chile no fue uno de sus destinos).

En fin, una banda necesaria para aquellas personas que dicen ser amantes de la música sea esta del estilo que sea.

"Con un deseo despertamos la voluntad de entre la sabiduria. Con la voluntad deseamos a la sabiduria al despertar. Despertando, deseando, queriendo"

Devil Doll

Vamos a conocer la atormentada y magistral mente de un pequeño genio llamado Mr. Doctor y su banda de culto “Devil doll” formada por músicos de la ex-Yugoslavia e Italia.
Entrar a la dimensión musical de Devil doll es como entrar a una dulce pesadilla; su música es vanguardia pura, arte y originalidad, influenciada por una diversidad de corrientes; intensa, angustiosa y a la vez teatral.
Devil Doll es uno de los grupos más característicos, raros, difíciles de catalogar y originales de la escena progresiva.

El Inicio

Fue creado en 1987 por la retorcida mentalidad de un loco-genio llamado Mr. Doctor, bautizándose de esta manera por la dicotomía que representan las personalidades de Mr. Hyde y del Dr. Jeckyll. Algunos de los miembros fueron reclutados a través de un anuncio en el periódico con el encabezado: “Mientras mas dominado este por la razón, menos probable es que el hombre se vuelva grandioso: Pocos pueden lograr la grandiosidad –y ninguno en el arte- si no están dominados por la ilusión”
Al principio, la base del grupo se encontraba dividida entre la "sección veneciana" y la "sección eslovena", con sede en Ljubljana, capital de Eslovenia, ciudad donde reside Mr. Doctor. Aunque alguno pueda pensar el cómo y el porqué de las dos secciones, no es nada descabellada la idea puesto que las dos ciudades distan una de otra un par de horas de carretera.

Mr. Doctor es el líder de Devil Doll. Nació y vivió en Eslovenia pero huyó a Italia, donde formó su grupo apoyándose en coros de su país y músicos italianos. Su personalidad esotérica y enigmática, su forma de vestir y su extravagancia tiene su origen en su admiración y culto a Patrick McGoohan (prisionero numero 6) del show de culto británico de TV "The Prisoner" emitido entre 1967 y 1968.

En el segundo semestre de 1987 Mr. Doctor muestra en vivo un larga duración llamado “The mark of the Beast”. Luego en los estudios Tivoli en Ljubljana comienza la grabación de esta composición; el joven ingeniero en sonido Jurij Toni que ya había ganado cierta reputación es el encargado de las mezclas en la sesión de grabación. De inmediato queda impactado por la creación de Mr. Doctor: –Una inmersión absoluta dentro del laberinto de la mente- fue como la describió. Jurij Toni trabajara con Devil Doll por los 10 años siguientes.
En Febrero de 1988 se imprime una copia de “The Mark of the Beast”, la cubierta es realizada por el mismo Mr. Doctor. Sin embargo, esta copia (la única), fue guardada bajo llave en la casa de Mr. Doctor y nunca se ha mostrado al publico.
En el mismo año comienzan los ensayos para un nuevo proyecto del grupo llamado “The Girl who Was……Death”, inspirados en la serie de televisión británica “The Prisioner”.

En noviembre de 1988 es creado en Venecia por los admiradores mas antiguos “Hurdy Gurdy Records”. El nombre y el logo de la disquera son escogidos por el mismo Mr. Doctor, quien además exige que 10 copias de cada álbum que Devil Doll lance desde ese momento sean especialmente impresas en una caja de terciopelo con los textos escritos a mano. Esta edición especial será exclusiva para los miembros de Hurdy Gurdy.
En 1989 se editan 500 copias de “The Girl who Was……Death” y Devil Doll presenta en vivo por segunda vez este álbum. En el show se reparten 150 copias entre la audiencia. Cada una de ellas con un diseño único, preparados por el mismo Mr. Doctor, algunas de ellas escritas con su propia sangre. Las 350 copias restantes son destruidas por Mr. Doctor. El álbum seria re editado cinco años después por el fan club, pero solo las 150 copias que fueron repartidas en el show contienen la intro y el final originales.
La intro es una versión de Devil Doll del tema principal de la serie “The Prisioner”, el final es orquestal y esta acompañado por la esquizofrenia voz de Mr. Doctor.
Ensayos entre abril y julio de 1989 y un debut en vivo de lo que pareciera ser el nuevo álbum con el nombre tentativo “The Black Holes of the Mind”. Una composición de 45 minutos que incorpora citas esotéricas y mensajes subliminales.
En agosto y acompañado por miembros de la banda Mr. Doctor realiza su propia interpretación en vivo de las 4 composiciones del músico expresionista alemán Hanns Eisler. El show es grabado por Jurij Toni y programado para salir en vinilo como “Mr. Doctor sings Hanns Eisler”. Solo es editada una copia de prueba, nunca fue lanzado oficialmente.
Luego entre septiembre y noviembre del mismo año se hacen nuevos ensayos y una presentación en vivo de 60 minutos de una nueva composición de Mr. Doctor titulada “Eliogabalus”, inspirada por el trabajo de Antonin Artaud. Lamentablemente las limitaciones económicas de la disquera obligan a Mr. Doctor a editar este ultimo trabajo junto a “The Black Holes of the Mind” (que pasa a llamarse “Mr. Doctor”), para poder lanzar ambos en un solo Vinilo. Solo los integrantes de Venecia acompañados por Bor Zuljan en la guitarra participan de esta grabación.
En 1990 es lanzado finalmente “Eliogabalus” primeramente en un vinilo con una portada donde se muestran las principales influencias y fuentes de inspiración de Mr. Doctor. Luego el fan club y la disquera Hurdy Gurdy lanzan por separado nuevas copias del álbum en formato CD.
Ya para el 1º semestre de 1991 la situación política en Yugoslavia se vuelve incontrolable, Eslovenia es invadida por las tropas de Belgrado. La sede principal del fan club de Devil Doll es trasladada a Venecia, en Italia. Francesco Carta quien había trabajado junto al grupo para la presentación en vivo de “Mr. Doctor sings Hanns Eisler” es escogido por Mr. Doctor como el nuevo pianista de la banda.

Tres presentaciones en vivo entre junio y noviembre muestran al público extractos del próximo álbum “Sacrilegium”. Luego de la independencia de Eslovenia Mr. Doctor une a los dos grupos que formaban a Devil Doll, quedando la alineación como sigue: Sasha Olenjuk (violín), Bor Zuljan (guitarra), Davor Klaric (teclados), Roberto Dani (batería) y Francesco Carta (piano). En diciembre entran al estudio Tivoli para grabar “Sagrilegium”.

En 1992 Devil Doll presenta “Sacrilegium” en la Iglesia Trnovo en Ljubljana. El concierto incorpora segmentos del film “The Sacrilege of Fatal Arms”, escrito y dirigido por Mr. Doctor. En marzo fueron difundidos extractos de la presentación en la televisión nacional de Eslovenia en conjunto con una entrevista a Mr. Doctor que fue fuertemente censurada. Producto de esta censura Mr. Doctor decide nunca más hacer una entrevista.
Mr. Doctor continua su trabajo en el film “The Sacrilege of fatal arms”. Las primeras escenas son mostradas para las fiestas de año nuevo pero solo a una audiencia exclusiva.

En enero de 1993 el fan club lanza 900 copias del soundtrack de “The Sacrilege of Fatal Arms”. Más de 70 minutos de duración en formato CD. Todas las copias fueron vendidas en 72 horas. Luego fue lanzado un LP doble pero nunca fue lanzado al mercado aunque existieron ediciones de prueba.
En mayo el fan club re edita “The Girl who Was……Death” en vinilo. Mr. Doctor da el permiso para lanzar solo una edición limitada de 500 copias con la portada original, pero omitiendo la intro y el final originales. Mientras tanto Devil Doll ensaya una nueva composición con el nombre tentativo de “The day of Wrath-Dies Irae”.
En julio la banda entra a los estudios Tivoli para grabar el nuevo álbum. Sin embargo, cuando Mr. Doctor y Jurij Toni están preparando el álbum, se genera un gran incendio en el estudio; ambos logran escapar, Mr. Doctor ileso mientras que Jurij Toni queda hospitalizado por varios días. El estudio queda completamente destruido; todas las cintas se pierden en el incendio. Las investigaciones policiales fueron incapaces de determinar si las sospechas de un posible ataque terrorista eran ciertas.
Se generan rumores de una posible separación de la banda. Después del incendio se rehúsa incluso a hablar de una re-grabación de la ultima composición.
El fan club lanza en diciembre en conjunto con la disquera Hurdy Gurdy el disco “The girl……” por primera vez en formato CD. El disco incluye la intro original, no así con el final. El ultimo epitafio del “álbum maldito” “Dies Irae” parecen haber sido escritos por Mr. Doctor mientras hacia peticiones a la disquera Hurdy Gurdy para que lanzara una edición exclusiva de 20 copias de un lujoso libro con todas las partituras y un cassette con la música aun no mezclada y sin las vocales, grabadas unos días antes del incendio.
En enero del 94´ y después de meses sin contacto con el mundo exterior Mr. Doctor acepta dar un curso universitario organizado por el Museo Esloveno de Películas. Por más de dos años sus discursos y presentaciones improvisadas –anunciadas como “Retrosizor”- toman lugar todos los jueves en el Museo Esloveno de Películas o en la Cinemateca Nacional y son recibidas eufóricamente por la audiencia. Al mismo tiempo acepta escribir ensayos para la la revista de películas “Ekran”.
En los meses de junio y julio la banda hace varias presentaciones por primera vez en más de un año. Dies Irae es recibida con gran entusiasmo por las críticas. Además es presentada una nueva composición de Mr. Doctor llamada “The Carnival of Souls”, que nunca ha sido editada.
Mr. Doctor finalmente acepta re-grabar Dies Irae. Los ensayos toman lugar en varios estudios de Ljubljana. A principios de 1995 comienzan las grabaciones. Las partes del órgano son grabadas por Michel Fantini en el enorme órgano de la Basílica de Monte Berico, cerca de Vicenza, Italia. En la grabación la banda es acompañada por la Orquesta Filarmónica de Eslovenia.

En marzo Mr. Doctor escucha a la soprano croata Norina Radovan y le pide que grabe con Devil Doll. Un dueto inolvidable toma lugar unos días después en los estudios Tivoli. Luego se comienza a grabar “Incubus”, una marcha nocturna que va insertada en el medio de Dies Irae. Mr. Doctor decide además hacer una segunda versión de Incubus. La versión grabada en el álbum fue elegida en último momento por Mr. Doctor, esta es la razón por la cual las letras de esta parte del álbum no aparecen en el libro del CD.
Sin embargo y hasta agosto del mismo año Mr. Doctor no estaba conforme con el “Grand Finale” y requirió de una nueva grabación de la orquesta. Escribió además un nuevo solo de guitarra y le pidió a Norina Radovan que re ingresara al estudio para grabar la nueva composición vocal. El 10 de septiembre el álbum es por fin terminado.

Entre octubre y diciembre Devil Doll graba el soundtrack de “The Day of Wrath”, la segunda película experimental de Mr. Doctor. En la primera mitad de 1996 la película es terminada y presentada a un público exclusivo
En septiembre del 96´ Mr. Doctor junto a Francesco Carta escriben una pieza orquestal de la película muda de 1928 de Jean Epstein “The Fall of the House of Usher”. Además es creada la Orquesta de Cámara de Devil Doll para presentar esta composición en vivo.

En 1997 el fan club obtiene el permiso de Mr. Doctor para lanzar el soundtrack de “The Day of Wrath” en una edición especial para celebrar el 10º aniversario de Devil Doll.
A Mr. Doctor se le pide escribir un libro a Bernard Herrmann, cuyo alter-ego George Harvey bone fue la principal inspiración detrás de Diers Irae y The Day of Wrath. El libro –que analiza en detalle todos los trabajos de Bernard Herrmann y que muestra la colaboración de Francesco Carta- es terminado en mayo y publicado en junio por la Cinemateca de Eslovenia en conjunto con el Ministerio de Cultura de Eslovenia.

En los años siguientes la banda no edito disco alguno tampoco hizo presentaciones en vivo, en realidad nada se sabia de Devil Doll, hasta el 2004 cuando W. Timmer de www.devildoll.nl comienza una cadena de mails para que los fans le escribieran una carta a Mr. Doctor pidiendo un nuevo álbum de Devil Doll. Los fans respondieron de todas partes del mundo y las cartas fueron agregadas, con la ayuda del fan club y de Hurdy Gurdy a un libro de 1266 paginas llamado “A Thousand Letters to Mr.Doctor”
(Mil cartas a Mr. Doctor).
En febrero del 2005 Mr. Doctor da una primera respuesta y le envía un regalo a W. Timmer.

La música

La música que propone Mr. Doctor esta basada en composiciones de música orquestada, clásica, teatral y melodramática, plenas de atmósferas tétricas y oscuras saturadas de amenazas constantes, mezcladas con buenos momentos de sinfonismo, en especial interludios de piano de cola magníficamente ejecutados por Francesco Carta, solemnes solos de órgano de iglesia, atmósferas tristes de violonchelo y violin... y guitarras duras propias del Metal Progresivo. Pero la verdadera protagonista de sus álbumes es la voz del propio Mr. Doctor, una voz cataléptica, cambiante en tono que va desde las voces angelicales, a las de ancianos o niños (toda una experiencia realmente psíquica) y los detalles sonoros como las distorsiones, cuchicheos, gruñidos, gritos espeluznantes y de ultratumba. Algunos de ellos extraídos de antiguas películas de terror como la memorable secuencia de la película "Isle Of The Dead" (1945) de Val Lewton o "Mad Love" (1935) de Karl Freund.La mayoría de sus discos son conceptuales y grandes obras sinfónico-teatrales, en las que todos los elementos están muy bien dispuestos y muy bien organizados. Las líricas están tratadas para actuar, narrar y asustar, dando su justo lugar a los coros que contrarrestan lo siniestro de la voz principal y al resto de los instrumentos construidos, por lo general, en un ambiente gótico, de fuertes rupturas y cambios dramáticos, una especie de rock-teatro a la Génesis mezclado con música neoclásica de Béla Bartók y una atmósfera de finales del siglo XIX y principios del XX.
Las obras Devil dollianas son de carácter narrativo y tratan siempre del hombre y su angustia de vivir y de la relatividad de la belleza, el bien, el mal y la religión, una especie de filosofía Hegeliana que cuestiona y reflexiona por medio de metáforas:

“En el día de la ira
Las hambrientas marionetas
Despiertan, cobran vida
Mientras los pájaros del alma
Se acomodan en los rayos del caos”

(Fragmento de “Dies Irae”-1996)

Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows

Si hay un solo grupo que es de verdad Gothic, este es Sopor Aeternus. Este grupo alemán posee un aura incomparable de misticismo y ocultismo. Casi se puede oler el olor del cementerio...La muerte es omnipresente en la música de esta banda. O como la revista francesa Gloria Victis lo puso “Más oscuro que la oscuridad. Debes tener un pie en la tumba y otro en un hospital psiquiátrico para escuchar a este grupo.”

El más grande misterio alrededor de este grupo es la figura de la carismática cantante Anna-Varney (anteriormente solo Varney). Según lo publicado por algunas revistas (se dice que solo se le puede entrevistar por vía fax, nunca en una reunión personal), que ella vive en el más absoluto secreto, no se sabe su verdadero nombre, no proporciona ningún mail ni teléfono, según se dice ella vive en “sus amadas catacumbas” con sus amigos espirituales llamados “The Ensemble of Shadows”. (Estoy usando el pronombre “ella” como simplicidad, aunque Anna-Varney es más un ser andrógino que una persona, ni totalmente varón ni hembra). Ella no da conciertos, "no para audiencia humana", todo esto aunado a su bella música tal vez sea probablemente la causa de su éxito asombroso en la vieja y esquizofrénica Europa y sea considerada como uno de los actos más honestos dentro del movimiento Dark y la hace ser considerada como verdadero grupo de culto.

Todo empezó en 1989 cuando dos individuos conocidos como Varney y Holger se encontraron en un bar-gothic en Frankfort, Alemania. Aunque ellos no tenían el dinero para comprar los instrumentos, tenían que componer su música totalmente en sus mentes, así ellos soltaron la trilogía de casettes-demos “Es reiten die Toten so schnell..., Rufus y Till’ time and times are done“en 1992. En el futuro, Holger dejó el grupo y la recientemente fundada etiqueta llamada Apocaliptyic Vision se interesó en la música de Varney.En 1994 el CD debut con el bastante largo título de “...Icht töte mich jedesmal aûfs Neûe, doch ich bin ûnsterblich, ûnd ich erstehe wieder aûf; in einer Vision des Untergangs...” que solamente salió una edición limitada de 1000 copias.

El mundo espiritual detrás de Sopor Aeternus

Muchas veces se le preguntó a Anna-Varney de donde provenía su inspiración de su maravillosa música. La contestación por parte de ella siempre era muy enigmática, pero si lo vemos en conjunto los pedazos de información que pueden reunirse, nosotros podemos darnos cuenta que de la fascinante biografía de una afligida y atormentada alma se encuentra un ser humano excepcional.Cuando Anna-Varney contaba con 20 años ella sufrió de depresiones profundas y problemas emocionales muy serios. Nacido en un cuerpo masculino, pero sintiéndose más hembra, su vida temprana no fue fácil. Además ella considero a su madre como “la mujer que le proporciono comida, ropa, y palizas”, lo que hizo a Anna un niño muy sensible, sensible alas sutiles vibraciones de el mundo espiritual. Debe de haber habido varias experiencias traumáticas que hicieron marca en el alma de Anna-Varney, pero ella está muy callada respecto a esto. Ella únicamente parafrasea sus sueños como “The Theater of Seven Hells” (“El Teatro de los Siete Infiernos”).Afortunadamente Anna-Varney siempre había tenido a sus amigos espirituales; seres inmateriales que la guiaron, la aconsejaron y la ayudaron. Ella los llama “The Ensemble of Shadows”, y los acredita por inspirarla en su música. Ella siempre señala que ella no crea la música, que solo la recibe.” Yo creo que el universo entero está saturado por música”, dijo ella en una entrevista. Ella solo trae a la vida del mundo material lo que siempre había existido durante todo el tiempo en el mundo inmaterial.Que trae a nosotros la visión religiosa del mundo de Sopor Aeternus: “La religión es anteriormente a toda la unidad.” Anna-Varney cree que todo en el universo se conecta con todo. La tarea del ser humano es descubrir la unidad con el universo entero. Hoy la mayoría de las personas vive en la ilusión del mundo que ellos pueden ver y tocar es la única “realidad”. Pero Anna-Varney nos dice que detrás de esta superficie engañosa hay otro mundo espiritual que es tan real como el que nosotros normalmente percibimos como realidad. La meta para cada ser humano es despertar de este sueño.El nombre del grupo Sopor Aeternus puede traducirse como “sueño eterno” o “deathsleep” y simboliza el estado del condenado así como su dolor insoportable. Es necesario despertar de este sueño para que solamente así nosotros podamos ver que la vida y la muerte es uno mismo. Este es el nuevo concepto de unidad.

Música como ayuda emocionalHaciendo música, Anna-Varney está intentando trabajar sus depresiones. Ella lo describe como un tipo de “introvertido exhibicionismo”. Por lo tanto sus líricas son siempre muy personales y no fácilmente entendibles por otras personas. Sin embargo, allí puede notarse la enorme influencia de su estado mental en las grabaciones. Los demos por ejemplo tratan sobre el vampirismo, la muerte y los no muertos.En este tiempo, Anna-Varney estaba seriamente enferma, amenazada con perder su vista. El primer álbum “Ich töte mich...” en un albúm muy críptico, gótico y depresivo. Es evidente que Anna-Varney había sufrido mucho de problemas emocionales y estaba atormentada por un dolor insoportable. Todo lo demás se deja a la imaginación del escucha.“Yo lo único que deseo es morir y descansar finalmente en paz, pero aún el lujo de la muerte, no puede curar las heridas que el tiempo no pudo curar.”

La música de Sopor Aeternus

En el artwork y las fotografías promociónales de Sopor Aeternus abundan los cráneos y los huesos que el vocalista trae para molestar un alma atormentada en la desesperación más absoluta. Una de sus canciones es "Die Bruderschaft des Schmerzes" que son verdaderos himnos de tristeza. La propia música es una ingeniosa mezcla de Darkwave, música clásica y danzas medievales bellamente encajadas.Los instrumentos más prominentes son la flauta y la campanilla de la muerte entre los teclados y las cuerdas. Algunas canciones parecen marchas de entierro y otras son más rápidas y “más felices”, que sólo hacen que suenen más macabras.

El segundo álbum Todeswunch –Sous le Soleil de Saturne- (Suicidio –Bajo el Sol de Saturno-) era, musicalmente hablando, una luz momentánea y pequeña en sus depresiones. En contradicción a esto las líricas son aún más tristes. Anna-Varney dijo que ella estaba realmente llorando mientras grababa algunas de sus canciones, tan fuerte era el impacto de sus emociones. Todas las letras giran alrededor de “el suicidio, dulce suicidio”.

El dolor, el miedo y la frustración estaba jugando difícilmente en Anna-Varney, Sólo a través de la ayuda y consejos de “The Ensemble of Shadows” ella no se comprometió con el suicidio para escapar de esta locura. Alrededor del año 1997 Anna-Varney pensó seriamente sobre una operación del género y comenzó a llamarse Anna-Varney (anteriormente solo Varney). Algunas alusiones en sus entrevistas realizadas, la gente cree que realmente realizó la operación. Hasta hoy todo lo relacionado con este tema sigue siendo un completo misterio ¡justo como todo lo relacionado con esta excepcional persona¡ El mini CD “Ehieh Ascher Ehieh” (1996), limitado únicamente a 3000 copias documentan esta fase de su vida. Entre algunas canciones remezcladas del segundo álbum hay también una canción titulada “The Gift of Self-Castration” (El regalo de mi castración). Pero Anna-Varney se llamó ahora teóricamente una “mujer heterosexual”. Ella se describió más bien como un ser de “el quinto género”, un concepto derivado de los indios Navajos de Norteamérica. El primero y segundo género son hombre y mujer, el tercero y el cuarto son un hombre dentro del cuerpo de una mujer y una mujer dentro del cuerpo de un hombre son llamados “ dos espíritus dentro de la persona”. El quinto género consiste finalmente en un “ser multiespiritual” entre el que Anna-Varney se cuenta.

En el verano de 1999 Sopor Aeternus lanzó su álbum llamado “Dead Lover’s Sarabande (Face1)”. Con las ilustraciones y portada totalmente en blanco y negro, esta obra de arte se remonta a sus raíces, no hay sonidos felices esta vez. La canción "1334" se conecta con el suicidio del fundador del grupo Christian Death el cantante Rozz Wiliams que ocurrió el día 1 de Abril de 1998. Aparentemente existió una cercana amistad basada a través de cartas entre Anna-Varney y él. La música en este disco es triste, lenta, oscura pero excelentemente producida. Las orquestaciones clásicas y las brillantes melodías son un placer para el escucha. Este trabajo se divide en "Face 1 & Face 2" . Desgraciadam
ente Anna-Varney se negó a dar alguna explicación de sus líricas de este disco comentando que “todo se ha dicho ya”. Todo lo que nosotros podemos hacer es tomar su consejo de escuchar a Sopor Aeternus “con nuestros corazones”.

”Soy como el dudoso beso de un cadáver o quizá el beso de una antigua piedra.”

Discografía:

*Flowers in Formaldehyde 2004.

*La Chambre D'Echo where dead birds sing 2004.

*Es reiten die Toten so Schnell (or: THE VAMPYRE SUCKING AT HIS OWN VEIN) 2003.

*Nenia C'alladhan" 2001, (un proyecto de Anna Varney).

*Songs from the inverted Womb 2000.

*Dead Lovers' Sarabande (Face Two) 1999.

*Dead Lovers' Sarabande (Face One) 1999.

*Voyager - The Jugglers of Jusa 1997.

*The inexperienced Spiral Traveller 1997.

*Ehjeh Ascher Ehjeh 1995.

*Todeswunsch - Sous le Soleil de Saturne 1995.

*Jekura - Deep the eternal Forest 1995.

*Ich tote Mich jedesmal aufs Neue, doch ich bin unsterblich, und ich erstehe wieder; auf in einer Vision des Untergangs 1994.

Lo último que se ha lanzado ha sido un Box con videos, el disco "Flowers in formaldehyde", y muchos otros accesorios (chapitas, poleras, etc...), con un tiraje inicial de 3000 copias.